1940 in OÖ geboren / 2021 in NÖ gestorben – Studium Akademie der bildenden Künste (Bildhauerei)
Die Hauptthemen seiner Arbeit:

Stabilität – Instabilität

Symmetrie – Asymmetrie

Aktivität – Passivität

Verbunden in skulpturaler Einheit symbolisieren sie Werden und Vergehen. Die Form, reduziert auf ein Minimum, um als reines Substrat seinen symbolischen/formalen Ansprüchen gerecht werden zu können.

Liberty
Kunsthistorikerin Maga. Marie-Christine Holter: „In den Metallfaltungen setzte Angerer-Niketa seinen Weg als Meister höchster Reduktion und Eleganz fort. Fast schwebend nehmen die Plastiken ihren Platz ein und lassen imaginäre, überzeitliche Räume entstehen. Die Angela Davis, der US-amerikanischen Bürgerrechtlerin und Femistin, gewidmete „Liberty“ zeugt von Angerers metaphysischer, jedoch nie gänzlich weltabgewandter Huldigung der reinen Form.“

TWINS, Zwillinge bezeichnet das, „was doppelt vorkommt“.

Die Skulptur spielt nicht nur mit der Doppelung des Teilelements, sondern auch mit der Doppeldeutigkeit. Ähnlich wie bei einer optischen Illusion können die Betrachtenden zwischen einer mehr anorganischen Assoziation (Beine, Zähne etc.) und einer eher anorganischen Wahrnehmung (Gebäudetürme, geometrische Körper) hin und her pendeln. (Judith P. Fischer)

Judith P. Fischer
1963 geboren in Linz

Studium Kunstgeschichte / Universität Wien

Studium Bildhauerei Universität für angewandte Kunst Wien

Lebt und arbeitet in Wien und Niederösterreich.

ARTIST STATEMENT: ”Kunst muss für mich greifbar sein. Wie das Leben. Und doch Neues ausdrücken. Immer schon stellt das Haptische, Fühlbare, eine wesentliche Komponente in meiner Liebe zur Bildhauerei dar. Deshalb bin ich Bildhauerin geworden.“

BRUNO GIRONCOLI

Ohne Titel (Scheiben), 1965 – 1995/1997
Aluminiumguss
207,2 x 230 x 111,6 cm
Exemplar 3/3
Gir/S 970001/3

Geboren 1936 in Villach, lebte und arbeitete in Wien. Bruno Gironcoli begann 1951 eine Ausbildung zum Goldschmied in Innsbruck, die er 1956 mit einem Gesellenbrief abschloss. Zwischen 1957 und 1962 studierte Gironcoli Malerei in der Klasse von Eduard Bäumer an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien. 1977 erhielt Gironcoli die Professur für Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien, als Nachfolger von Fritz Wotruba. Im Jahr 2003 war er offizieller Vertreter Österreichs auf der 50. Biennale in Venedig.

Gironcoli starb am 19. Februar 2010 und wurde am Wiener Zentralfriedhof beigesetzt.

Die Skulptur ist wohl aus kunsthistorischer Sicht für das Werk Gironcoli eine besonders bemerkenswerte:

Das Zentrum bildet jene aufrechte im Querschnitt abgerundet rechteckige Steherform, die Gironcoli bereits 1965 für die Skulptur “Rand eins” 1965/66 Wvz.S-21 schuf. Diese verwendete er um das Modell für die vorliegende spätere Skulptur zu schaffen. Wie bei der “Eisenfigur” 1985-1990 S-64 und anderen Skulpturen der 1990er Jahre zeichnet oder vielmehr kratzt/ätzt Gironcoli seltsame Zeichen und Figurationen in die wie eine Beschriftungstafel angebrachte abgerundete Metallfläche auf einer Seite der Figur.

Das Motiv der Tragbare basiert auf seinem Hauptthema “Muphy” (nach Samuel Becketts Romanfigur), das ab 1968 viele seiner Skulpturen als Leitmotiv kennzeichnet.

Eine gequetschte Variante des Gefäßes mit Strahlenkranz (als zwei unterschiedliche selbständige Skulpturen 1998 SE-23 und SE-24, als Teile der großen Skulptur “Ohne Titel” 2001 S-99) ziert die Figur, ebenso wie ein dickes Feigenblatt (vgl. Mutterfigur 1985-1989 S-63, Flammenfigur (2 Teile) 1985-1990 S-65), sowie seriell eingesetzte Scheiben.

Die Tragbahre mit all ihrem Aufbau ruht auf einem für die Skulptur und als Teil dieser konzipierten Sockel, der obwohl nicht gegossen, sondern als Schlosserarbeit ausgeführt dieselbe Aluminiumoberfläche aufweist. Für das gesamte hat Gironcoli wohl zur adäquaten Aufstellung im Außenbereich einen genau angepassten Eisensockel erstellt.

Die Abbildungen zeigen, dass die Skulptur sowohl eine relativ zarte aufstrebende Erscheinung hat als auch ein weit in den Raum ausgreifende, je nach dem von welcher Seite sie betrachtet wird.

Sofia Goscinski
Desert Plants, 2022-23
15 Stk. Beton/3 Stk Bronze

Sofia Goscinski ist eine Multimediakünstlerin mit Schwerpunkt auf Skulpturen. Ihre Arbeiten sind in öffentlichen Sammlungen wie dem Belvedere Museum, dem Lentos Kunstmuseum, der Staatlichen Kunstsammlung Österreichs, dem Wien Museum und zahlreichen Privatsammlungen vertreten.

Martin Grandits
Black Sunflower #02, 2023
Bronze, patnierte
180x40x30cm

Black Sunflower #03, 2023
Bronze, patnierte
165x30x30cm

Martin Grandits schafft es in seinen Werken die Ästhetik auch im Alltäglichen wahrzunehmen. Ein Logo, ein Brotaufstrich oder eine Bierbank – alles kann Grundlage für eine künstlerische Idee sein – und ein T-Shirt ist dabei als Trägermedium nicht weniger geeignet als eine auf Keilrahmen gespannte Leinwand.Mit beeindruckender Nonchalance assoziiert sich Martin Grandits zwischen Tinder und Picasso quer durch die Popkultur und Kunstgeschichte und macht meistens dort Halt, wo man es am wenigsten von ihm erwartet. Sein Weggefährte ist dabei stets der kritische Blick und immer auch der Humor; einerseits als Stilmittel und andererseits als Waffe gegen das Pathetische. Martin Grandits, geboren 1982 in Wien, Studium an der Universität für angewandte Kunst (transmediale Kunst bei Brigitte Kowanz), lebt und arbeitet in Wien.

Thomas Gänszler
Kontinent 02/Textur, 2024
bedruckte PVC Plane
350x250x1cm

Thomas Gänszler (* 1982) lebt und arbeitet in Wien
2000-2001 Studium an der Universität Wien in Mathematik, Geschichte und Politikwissenschaften.
2001 Studium der Kunstwissenschaften an der Universität für angewandte Kunst, Wien.
Ab 2003 Studium Kunst und Kommunikative Praxis bei Erwin Wurm, Barbara Putz-Plecko, Michael Kienzer, Werner Feiersinger.
2005 Studium Bildende und Mediale Kunst, Bildhauerei, Plastik und Neue Medien bei Erwin Wurm.

Die Arbeiten von Thomas Gänszler sind an der Schnittstelle zwischen Fotografie und Malerei angesiedelt.

Die Motive entwickelt er oft aus seinem Foundfootage-Archiv, während Materialien aus dem funktionalen

Alltag durch Fragmentierung und Überarbeitung transformiert werden. Dabei arbeitet Gänszler mit traditionellen

handwerklichen Techniken ebenso wie mit digitalen Möglichkeiten und dem 3D-Druck.

Alfred Haberpointner
Kopf, 2018
Stahl verzinkt
130x82x108cm

Alfred Haberpointner reiht sich mit seinen markanten Kopfskulpturen in eine lange kunstgeschichtliche Tradition ein. In seiner Arbeit reduziert er den Kopf fast bis zur Silhouette, um ihm dann im nächsten Schritt durch die besondere Bearbeitung des Materials individuelle Charakterzüge zu verleihen. Dabei setzt er sich intensiv mit klassischen Fragestellungen der Bildhauerei auseinander, wie Volumen, Masse, Gewicht und Proportion. Mit minimalen Eingriffen schafft er einen faszinierenden Dualismus zwischen der Schwere des Materials und der Leichtigkeit der Textur.

Hubertus Hamm
vi | ew No. 3 (1/10), 2023
Metall
125cmx260cm

Als gelernter Fotograf verlässt Hubertus Hamm die ausgetretenen Pfade der klassischen Fotografie,
oft sogar unter Verzicht auf das Medium, in dem er ausgebildet wurde. Sein künstlerischer Ansatz entfernt sich von der klassischen Fotografie und reflektiert die Modalitäten des Bildes, indem er die Grenzen des Mediums in Bezug auf Dreidimensionalität und Materialität auslotet und überschreitet.

vi | ew No. 3 (1/10) ist eine solitäre Stele, ähnlich der 24 Stelen, aus denen die Installation vi | ew besteht. So ist auch bei ihr der Blickwinkel entscheidend, ob sie transparent mit der Welt hinter ihr eins wird, oder als massiver Block erscheint. Ihre Gestaltung folgt ihrer Technik.

Xenia Hausner
Atemluft, 2024
Poliertes Aluminium, Bronzeguss mit Patina
60x51x62 cm

Xenia Hausner ist mit dem Salzkammergut eng verbunden. Im Rahmen der Kulturhauptstadt
Europas Bad Ischl Salzkammergut präsentiert die international anerkannte Künstlerin, Malerin und
Bühnenbildnerin ihre erste skulpturale Arbeit im öffentlichen Raum unter dem Titel „Atemluft“.
Mit der 3m hohen Aluminium- und Bronzeskulptur verweist Xenia Hausner auf die
gesellschaftlichen und existentiellen Probleme unserer Zeit. Den Zynismus und mangelnden
Realitätssinn vor unseren dahinschwindenden Ressourcen beobachtet sie mit aller Deutlichkeit
und mit Schrecken. „ATEMLUFT“ ist ein sinnliches Bild der Verzweiflung, ein Ringen um was wir
brauchen, um zu leben, ein Aufschrei, was wir uns vergeben. Wie eine dunkle Wolke lastet die
schwere Sauerstofflasche auf dem Kopf der schreienden Figur. Der verdrängenden Haltung
unserer Gesellschaft wird ein Spiegel vorgehalten – in der hochglanzpolierten Oberfläche der
Skulptur sehen wir das Spiegelbild unserer Selbst, in dem wir uns als TäterIn und als Opfer
wiedererkennen. Was bleibt? Was verlieren wir? Was haben wir aufs Spiel gesetzt?
Text: Elisabeth Schweeger, Kulturhauptstadt Europas Bad Ischl Salzkammergut 2024

Ma Jia
Ohne Titel, 2024
Pipes
50-60cm ø x 200cm

Für ihre Ausstellung bei gezwanzig hat die Künstlerin eine neue Edition geschaffen. Sie studierte Kunst an der Central Academy of Fine Arts in Peking und an der Akademie der bildenden Künste in Wien bei Prof. Heimo Zobernig. Parallel Nachwuchspreis 2019, Ausstellungen in Europa und Asien, unter anderem Parallel 2020, Bildraum 01, Büro Weltausstellung, Xhibit, Akademie der bildenden Künste Wien (A), Youth art biennale, Franzensfeste (I), Kunsthalle m3,Berlin (D), Asian Art Top Show Beijing u. v. a..

Ihre Methodik vereint abstrakte Malereisprache mit industriellen Materialien. Die geometrischen Formen in ihrer Arbeit stehen im Einklang mit dem traditionellen chinesischen Wuxia-literarischen Stil, der das Konzept von „zu haben ist nichts zu haben; nichts zu haben ist zu haben“ verkörpert. Wie Ma Jia sagt: „Wenn die Worte herausgefiltert sind, entsteht die leere hohle Schnittgeometrie, die Bedeutung erzeugt.“ Für ihre Ausstellung bei gezwanzig hat Ma Jia eine neue Edition geschaffen.

Michael Kienzer
Halbraum Vol. 4 (Falter), 2020
Aluminium, Lack, Stahl
170 x 157 x 126 cm
Kie/S 200005

„Jeweils drei schlichte, leicht deformierte, in unterschiedlichen Farbtönen lackierte Blechpaneele sind an den Kanten aneinandergefügt, sodass sie sich als einladende Raumkompartimente den BetrachterInnen gegenüber öffnen: Plastisch gewordene Malerei, die locker gestreut, Raum bildende architektonische Dimension offenbart. Durch die punktuelle, kaum sichtbare Verbindung zwischen den einzelnen monochromen Farbflächen scheinen sich diese gegenseitig in fragiler Balance zu halten. So mischt sich in die Autonomie dieser stolzen Konstrukte das Moment einer zeitlichen Bedingtheit, Verletzlichkeit und Empfindsamkeit, intensiviert durch die leichten Knicke und Wölbungen der Oberflächen und den daraus resultierenden Nuancen von Licht-, Schatten- und Farbtönen.“ Text von Margareta Sandhofer

Isabella Kohlhuber
Für die Vögel. Lesen über Natur, Kunst und Bedeutung, 2010
Audio-Skulptur (Keramik, Elektronik-Komponenten, Mehrkanal-Komposition)
6 Objekte, je 15 cm DM

Wir hören ein Sampling ausgewählter Texte aus Naturwissenschaft, Philosophie, Kunsttheorie und Gebrauchsliteratur. Jahrhunderte voneinander entfernte Aussagen über das Wesen der Naturgegenstände treffen aufeinander und bilden einen konstruierten Diskursraum. Ihre Grenzen werden durch einen radikal materiellen Gebrauch von Text bewusst verwischt. Ist Körper in Sprache erfahrbar und berührt unser Wissen die Natur?

Isabella Kohlhuber arbeitet interdisziplinär mit und an dem Medium Sprache. Nach ihrem Studium der transmedialen Kunst an der Universität für angewandte Kunst Wien war sie mehrere Jahre dort als Lehrende tätig. Ihre Werke werden international ausgestellt und zahlreiche Installationen im öffentlichen Raum wurden temporär und dauerhaft realisiert.

…Diese Zusammentreffen von Natur und menschlicher Schöpfung spiegelt eine abstrakte Sicht des Künstlers auf eine Welt wider, deren Strukturen, Abläufe und Dogmen – so widersprüchlich und unvereinbar sie auch erscheinen – sich unmerklich in unser Welt- und Selbstverständnis eingliedern….

© Esther Mlenek

Geroge Kubla
Black Bow, 2024
Epoxy
207x165x125cm

geboren 1975 in Tiflis, Georgien, lebt und arbeitet als Künstler in Wien. Er absolvierte die Akademie der bildenden Künste in Tiflis, Fachrichtung Bildhauerei, danach Studium an der Universität für angewandte Kunst in Wien.

Angelika Loderer
(*1984, lives and works in Vienna)

Emerging from the histories of modernism, Angelika Loderer’s work is also framed by the conditions of the present. On the one hand, she activates the performative power of the informe —agitating the modernist delineation between form and content. On the other hand, she is situated in a contemporary moment characterized by modes of living in which contingency becomes the norm. In this double context, Loderer has developed a body of work that incorporates contingency as a formative condition. Her work makes use of materials, processes, and display mechanisms that constantly perform and expose the object’s internal balancing act in relation to an equally contingent spectator.

Marko Lulic
Palace – Enter the System, 2007
Stahl verzinkt, Lack
300x300x240cm

Das künstlerische Anliegen von Marco Lulic hat viel mit seiner Biografie zu tun. 1972 in Wien als Kind serbokroatischer Eltern geboren, wuchs er in Jugoslawien und Österreich auf und lernte im Vergleich die Unterschiede zwischen der traditionalistischen österreichischen Umgebung und den sozialistischen Utopien des ehemaligen Jugoslawiens kennen. Aus diesem Spannungsfeld speisen sich heute viele seiner künstlerischen Projekte. Er lotet als Installationskünstler das Verhältnis zwischen Vergangenheit und aktueller Gegenwart, zwischen Ideologie und Gesellschaft aus und fragt nach dem Selbstverständnis von Öffentlichkeit und Gesellschaft.

Roland Maurmair wurde 1975 in Innsbruck geboren, lebt und arbeitet in Frankenmarkt und Wien als freischaffender Künstler, Medien- und Primitivtechnologe.
Er hat an der Universität für angewandte Kunst in Wien Visuelle Mediengestaltung studiert und promovierte dort am Institut für Kunst- und Wissenstransfer.
Zahlreiche Ausstellungen und Präsentationen im In- und Ausland zeichnen seinen künstlerischen Werdegang.

Gisela Stiegler
Dancing Column, 2024
Polystyrol, Armierputz, Metall, Acryl
280 cm Höhe, 170 cm x 125 cm Standfläche

Text: Astrid Steinmair
Schiller, aus „Über Anmut und Würde“: „Anmut ist die Schönheit der Gestalt unter dem Einfluss der Freiheit“… und: „Anmut liegt also in der Freiheit der willkürlichen Bewegungen, Würde in der Beherrschung der unwillkürlichen“

Gisela Stieglers Skulpturen bewegen sich mit Anmut. Sie besitzen eine in sich ruhende Bewegung, einen jeweils eigenen Rhythmus. Mutig tragen sie sich selbst und sind somit frei. Sie sind unabhängig von ihrer Umgebung, prägen sie aber eindeutig mit. Daher kommt auch der Eindruck, als würden die Skulpturen einen Tanz aufführen. Dem Betrachter eröffnet das einen eigenen Raum, der durch den Rhythmus der Objekte mitreißt, vergleichbar mit dem Beat eines Jazz- Konzerts oder dem melodischen Fluss der Lyrik.